10位摄影大师的10种街拍风格告诉你街头摄影的全部秘密！
摄影在其诞生之后的一百多年里，促生了数以百计的影像图片与拍摄者。而其中，能够使摄影成为一门独立艺术，并做出重要贡献的人却凤毛麟角。
越来越多的人喜欢扫街，把遇到的看到的，都记录下来。但是会不会时常拍了很多，却选不出一两张自己满意的作品呢？
今天，我们就借助以下十位摄影大师的作品，了解他们在街拍摄影风格上的探索与创新。
安德烈·柯特兹，一个深刻影响了布列松、卡帕、布拉塞、比尔·布兰特等大师的一代宗师。他的大多数照片都能够见出其摄影的简洁与从容，细看之下构图极为精致，富有真情和深意。
“柯特兹有着伟大摄影家必不可少的两个资质，即对这个世界、人与生命的不倦的好奇心，和精致的造型感觉。”
柯特兹影响了半个世纪的现代摄影，奇怪的是，他的“理论”没那么复杂，由单纯的源头流溢而出的反倒更多。
他的摄影是温情精致的人生艺术，其技巧已化于无形。布列松曾经说过：那时柯特兹怎么拍，我们就怎么拍。
森山大道，他以其狂野无比、饱含生命欲望与个体孤独的高反差、粗颗粒、模糊、晃动、失焦的强烈影像感召了无数热血青年，是被世界公认的日本代表性摄影家。
“对我而言，所有的街道、路上，都是博物馆、剧场、图书馆、舞台，这对我来说是永远存在的前提。艺术有它存在的意义，我并没有想要否定它，但唯有街道让我得到更大的挑战感。”
上世纪五、六十年代，日本因为战败，整个社会都充满了动荡不安，整个民族都深深陷在屈辱自卑和自信自满的纠缠交织。
他的影像关注极度个人化的日常欲望，同时反映出一个时代、东瀛社会风景的奇异变迁。
于是，在森山的眼中，日本社会状态就是这样。充满了焦虑不安，甚至是暴力与诡异。而日本人内心深处的敏感与直觉性也是森山要表现的方面，这种仿如野兽般的特性隐藏在彬彬有礼的态度与精致的程式所掩盖，令人误以为这些就是日本的精神所在。
将摄影与整个社会状态联系起来，并将自己对于世界的看法融入作品中，并开创了街头摄影的新类型，这大概才是森山能够成为大师的原因之一。
勒内•玛尔泰特的作品，充满了奇特的视觉对应、错位和分解构成关系，这种机智而敏锐的摄影手法，带给人无限欢乐，又催人思考，琢磨。
就技术而言，这是雅克•亨利•拉蒂格、布列松等法国大师创造的瞬间抓拍风格，但其内涵罕见，画面极难捕捉。
他拍摄了欢乐，却是让人有所领悟的欢乐；他拍摄下荒谬，却是日常、温情的荒谬。
因“错误”而幽默，因幽默而“真实”，这是勒内•玛尔泰特摄影的精髓。他以他的智慧，记录了轻逸、多变、错误、真实而又好笑的人类生活。
在那个动荡的年代，他看到的不像是现今新闻摄影所看到的困苦和灾难。他看到反而是凡人的生活以及那些平凡的瞬间。
“我享受摄影，在当下，摄影就像是对着当下不断地说「这就对了！」，摄影的过程中没有「也许」或「犹豫」，所有的「也许」及「犹豫」都要丢掉。当下的，是瞬间的，你必须尊重当下那个瞬间，去享受那个瞬间。 ”
在布列松最好的作品中，你能发现那种法国式的高贵，戏谑，精确，以及不可思议的现实。在街头，布列松极其善于捕捉那种对比性强烈的决定性瞬间画面。
情感，是荒木的摄影之源，一切都是从自己切身的感受出发。回望他走过的近半个世纪，所有的照片就像是他的自传，无论褒贬，这里有最真实和完整的荒木经惟。
荒木将感情看作是对自己最重要的东西，与生俱来的感情是创作之源，也是他最想表达的存在，所以最佳的拍摄时刻，就是情感爆发的那一瞬间。
马丁 · 帕尔，英国纪实摄影大师，玛格南图片社前主席。他的作品日常诙谐，反映了消费社会的平常平庸，无聊荒谬。他用色调浓艳的彩照嘲讽了资本世界的空虚游戏，代表了当代主观纪实的一种新方向。
这位表面看似温和，实则相当“毒舌”的老头，30多年来一直致力于用镜头，残忍地戳破生活的真相。他蔑视温情脉脉，将社会刮骨三分，而娱乐、消费和传播，正是他多年来拍摄的拍摄对象。
马丁·帕尔冷嘲资本世界里庸俗、可怜的全球化生活、英美快餐式生活、所谓的“中产”生活，就像他拍的墙纸一样，花里胡哨却言之无物。彩色+闪光灯，让细节更分明、色彩更饱和，揭示出那个更喧闹的真实。
他的作品色彩鲜艳，画面芜杂，初看之下夸张甚至荒诞不经，但最终却有绵密的、不知来自哪个方向的冲击力，它们可能是巨大的欢乐，也可能是巨大的空虚，偶尔还有人世的荒凉。
斯蒂夫·麦凯瑞，他既是马格南摄影师，也是Leica名人堂的首位得奖者，更是《国家地理》的首席摄影师。
他怀抱着对异域文化的浓厚兴趣，在过去30多年里，走遍了全球各地，除了看到不少人文风光外，也见证了不同地域下，到底人们是怎么活着的。
他的照片总是展现故事即将发生的那一刻，有着异常独到的光影效果和色彩表现。“对我来说，一份作品最重要的特质在于独立性，只需一张照片，便能带给你一个故事。”
许多国家风俗文化不尽相同，人们有着不同的信仰。他更发现了孩子是反应现实社会最真实、最清澈的一面镜子。
斯蒂夫·麦凯瑞曾说过脸往往是某人经历和情感的缩影，一张人像可以讲述很多有关这个人的性格的故事，拍摄人物内心世界并不是一件容易的事，同样，拍摄一群人的心理世界也不是一件容易的事。
阿莱克斯·韦伯（Alex Webb），马格南摄影师，照片特色是让人印象深刻的颜色和复杂的构图。1986年，阿莱克斯·韦伯访问了革命后的海地，触动很深，也成为他摄影生涯中最重要的转折点。
阿莱克斯·韦伯说，“在海地旅行彻底改变了我——不仅作为一个摄影师，也作为一个普通人。我拍摄到了一个我从未经历过的世界，一个充满活力和激情的世界: 原始的，脱节的，通常往往是悲剧的。”
从那以后，他决定从拍摄黑白相片转为拍摄彩色相片。那时的摄影界黑白相片是主流，而彩色相片并不被人看好。但Alex Webb认为“世界是一个复杂的地方，如果你开始单纯地以非黑即白的方式看待一切，就会面临巨大的危险。”
看到阿莱克斯·韦伯的作品，吸引人眼球的就是大胆丰富的色彩。这些色彩是当地人的灵魂和精神，色彩本身就在讲故事。
除此之外，阿莱克斯·韦伯身上有着明显的摄影标签和符号，来自反转片带来的极其浓郁而鲜艳的色彩，以及有趣的立体复杂构图。
他的每张作品都能让观看者有很多不同的感觉，神秘、复杂、交错、丰富、饱满、色彩、游移，那种复杂的视觉冲击可以用“过瘾”两个字来形容。
阿莱克斯·韦伯的作品以复杂的构图闻名，但在复杂中似乎又带有逻辑，所谓乱中有序。
艾略特·厄维特，1928年出生于巴黎，非常著名的马格南摄影师，照片风格以捕捉生活中幽默、人情味为主。
厄维特非常热衷于观察人与狗之间的关系，并且经常在与“人和狗”有关的照片中杂糅一种幽默而戏谑的主观情绪。
在描述一张狗从正面冲向镜头的照片时，厄维特是这么解释的：“人们总是问我，它为什么会扑向你？原因很简单，我对着它学狗叫，它自然会被我惹得跳起来。”
“能体现人性的照片就是好照片，在我看来，狗是一种充满人性特点的动物。”厄维特补充道，“我喜欢狗，它们是非常棒的拍摄对象，而且你完全不用担心肖像权的问题。”
有人说从厄维特的作品中看到了“痛苦”，也有人说他的作品很“滑稽”，他自己认为这两种完全不同的东西在他的作品中得到了“最和谐的统一”，只是最终“滑稽”会战胜“痛苦”。
卓别林是厄维特的偶像，因为卓别林能让人们一会儿哭一会儿笑，在痛苦和滑稽的交替中完成对生活的感悟。厄维特认为，一个人最大的成就就是让人们发笑，他把这个定为自己努力的目标。
正如很多人评论他的——他拍摄的是“非决定性瞬间”，他照片中的时间总是显得格外的长，虽然内容也是市井街头稍纵即逝的人事，但他的幽默却像镇痛剂一样使时间绵延开来。对，任何幽默都是生活的镇痛剂。
“我对中下层的穷苦大众、，有着比较特别的关怀。不知道为什么，就是直觉。我很喜欢小人物身上那种咬紧牙关，力争上游的草根精神，所以我很多照片都在记录着他们。”
他的照片记录了香港这座城市，在二十世纪五六十年代各样难得一见的图景：小巷，贫民窟，石板路，市场和无数街道组成的人文景观。在他的镜头中，充满了对街头小贩，底层人民生活的迷恋。
他的作品构图开阔，凝练至极，具有东方画卷的意蕴，同时又有着强烈的现代意识，尤其对光影的极致运用，很多国外摄影大师也望尘莫及。
街道则是活力的舞台，社会的窗口，街道的瞬息万变，就是我们始终沸腾、一刻也不能停止的生活。“抛掉书本上街去”，街道成就了无数的摄影大师，也让更多的青年人钟情于那擦肩而过的相遇。
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